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Tapies

Antoni Tàpies est né le 12 décembre 1923 à Barcelone en Espagne. Enfant à la santé fragile il commence à dessiner et à peindre très tôt. Il fait des études de droit (1943-1946) et de dessin (Académie Valls, 1944) à Barcelone. De 1948 à 1951, il est cofondateur du groupe et de la revue Dau al Set (en catalan : la septième face du blé), mouvement constitué pour lutter contre l'apathie intellectuelle de l'Espagne d'alors. Marqué par la guerre civile espagnole, protestant de l'intérieur contre Franco, il ne conçoit "l'artiste qu'en pleine aventure".

Tàpies rencontre Miro dont l'influence le fait entrer dans une période surréaliste. La même année il participe au Salon d'Automne de Barcelone.Sa première exposition presonnelle a lieu en 1950 à la Galeries Laietanes de Barcelone. L'année suivante, à Paris, il rencontre Braque, Picasso, découvre l'art informel avec Dubuffet et Fautrier, ainsi que les écrits de Michel Tapié. En 1958, il participe à la Biennale de Venise et dès 1962, les grands musées organise des rétrospectives de ses oeuvres (Hanovre, 1962 ; Vienne, 1968 ; Musée d'Art moderne de Paris,1973).

Après une période de dessins, de peintures surréalistes, Antoni Tàpies transmue les matériaux les plus divers et les plus pauvres en signes picturaux. A partir de 1950, il inclut couleurs et fossiles dans des blocs empâtés de colle, de sable et de plâtre qui deviendront des "murs, des fenêtres, ou des portes" ("Tous les murs portent témoignage du martyre de notre peuple"). Il utilise également des journaux, des bouts de ficelle pour des collages au contenu social provoquant (Journal avec signe, 1964).

A la fin des années soixante, il revient à des compositions plus figuratives (tableaux-objets et bas-reliefs), toiles barrées de croix ou imprimées de "croix manifestes". Au début des années 70, Tapiès réalise ses premières sculptures ainsi que des assemblages. En 1973, une rétrospective est organisée au musée d'Art moderne de la ville de Paris. Depuis 1980, il réalise de grandes installations et combine peintures, objets, tissus et matériaux divers.

Antoni Tàpies vit et travaille à Barcelone et est aujourd'hui considéré comme l'un des plus grands peintres de la seconde moitié du XX e siècle. Il fait partie du cercle très fermé des artistes d'art contemporain auxquels l'Espagne a rendu hommage de leur vivant par la création de musée ou de fondation (Dali, Miro, Tàpies). Ses dernières expositions importantes ont eu lieu au musée du Jeu de Paume en 1994 et au musée d'Art Contemporain de Barcelone en 2004.

"La valeur d'un artiste réside dans la somme complexe d'idées, de sentiments, d'exemples (parfois mauvais) qu'il réussit à communiquer. Il n'est donc pas étonnant qu'il ait parfois à coeur de se montrer dans sa parfaite nudité ; à travers son oeuvre mais aussi dans toutes ses conduites, dans toutes ses expressions y compris l'expression verbale. Peut-être cet ensemble représente-t-il sa véritable oeuvre. Et ses tableaux, ses sculptures ou ses poèmes, oeuvres "partielles", deviennent beaucoup plus intelligibles dans la perspective de cet ensemble complexe."  Antoni Tàpies.

Source : Larousse.

Cocteau

L'enfance a laissé des traces profondes chez ce garçon fragile et hypersensible. Issu d'une famille bourgeoise, le jeune Cocteau (né le 5 juillet 1889) partage son temps entre une villa à Maison-Laffitte et un appartement à Paris, dans une ambiance insouciante où l'on se pique d'art avec éclectisme et légèreté. A l'âge de 9 ans, la mort surgit dans cette vie paisible : son père, un être effacé, rentier et vaguement peintre, se suicide d'une balle dans la tête. Le petit Jean, dernier d'une fratrie de trois, grandit avec sa mère Eugénie.

Le jeune homme fait preuve de facilités artistiques, notamment dans le dessin et l'écriture. Après trois échecs au bac, dont il fait peu de cas, Jean Cocteau choisit la carrière d'homme de lettres. Il fait vite fureur dans les salons.  Il publie ses premiers poèmes dès 1909 et devient une des figures à la mode du Tout-Paris et des salons que fréquentent les Daudet, la comtesse de Noailles et Marcel Proust. Il publie son premier livre de poèmes, La Lampe d'Aladin, à 19 ans. Cocteau devient alors connu dans les cercles artistiques bohémiens comme le 'prince frivole'. C'est sous ce titre qu'il publiera à 21 ans, en 1910, son second recueil de poèmes.

Tout au long de sa vie, il se lit d'amitié avec d'autres grands artistes de son époque : Proust, Gide, Barrès, Apollinaire, Picasso, Truffaut, Piaf,... En 1918, il rencontre le poète Raymond Radiguet et aurait eu une relation amoureuse intense avec lui. Horrifié par la mort soudaine de Radiguet en 1923, il devient accroc à l'opium, son visage s'émacie, sa silhouette s'amaigrit... et son oeuvre prend des accents plus sombres, plus introspectifs, reflet de cette douleur intérieur. On prête également des relations amoureuses entre Cocteau et Nathalie Paley (princesse et actrice), Jean Marais, Edouard Dermit (acteurs) ou encore Panama Al Brown (boxeur).

L’entre-deux-guerres devait être pour Jean Cocteau, au faîte de sa gloire, une période d’intense créativité, placée sous le signe de l’avant-guarde. Il collabore avec des musiciens tels Érik Satie (Parade, 1917) et Darius Milhaud, comme avec des peintres célèbres. Il témoigne dans son écriture d’une égale curiosité, s’essayant à la poésie d’inspiration futuriste, dadaïste ou cubiste : Le Cap de Bonne Espérance (1919), au roman poétique : Le Potomac (1919), Thomas l’imposteur (1923), Les Enfants terribles (1929). Il occupe également une grand place dans le théâtre, avec Les Mariés de la tour Eiffel (1924), La Voix humaine (1930), La Machine infernale (1934), Les Parents terribles (1938), Les Monstres sacrés (1940), Le Bel Indifférent (1940, avec Edith Piaf), La Machine à écrire (1941), L’Aigle à deux têtes (1946), Bacchus (1952).

Enfin, le cinéma devait à son tour attirer Jean Cocteau, qui donne au septième art des films et des scénarios marquants, parmi lesquels on citera Le Sang d’un poète (1930), L’Éternel retour (1943), La Belle et la Bête (1945, avec Jean Marais) dont la beauté des décors, les jeux d’ombre, les trucages donnent à ce conte écrit en 1757, une féerie inégalée. Il réalise aussi entre autres Les Parents terribles (1949), Orphée (1950) et Le Testament d’Orphée (1960). Les films de Cocteau, dont il a écrit et dirigé la majeure partie, furent particulièrement importants dans la mesure où ils introduisirent le surréalisme (mot inventé par Apollinaire) dans le cinéma français et influencèrent, dans une certaine mesure, le genre français de la Nouvelle Vague.

Il convient d’ajouter encore à la palette variée de ses talents celui de dessinateur (citons ses dessins très érotiques du Livre Blanc) et de peintre. Le dessin n'est pourtant pas l'aspect le plus connu de l'art de Cocteau. Il traverse pourtant toute son oeuvre, de ses caricatures des années 1900, à ses fresques pour la villa Santo-Sospir de Saint-Jean-Cap-Ferrat ou des chapelles de Villefranche-sur-Mer et Milly-la-Forêt, en passant par ses innombrables portraits de ses proches. Qu'il prépare un roman, une pièce ou un film, Cocteau ne cesse de dessiner, pour illustrer un récit, préparer une mise en scène... A ses yeux, l'écriture et le dessin ne forment qu'une seule activité.

En 1963, dans sa demeure de Milly-la-Forêt, Jean Cocteau est emporté par une crise cardiaque, le jour du décès de son amie Edith Piaf. Après 74 ans d'une course effrénée, celle d'un enfant surdoué et fragile en quête d'amour, de magie et de poésie face à la fatalité de la mort. En 1947, l'artiste écrivait dans La Difficulté d'être, son texte de la mise à nu : "J'ai de naissance une cargaison mal arrimée. Je n'ai jamais été d'aplomb. Voilà mon bilan si je me prospecte. Et, dans cet état lamentable, au lieu de garder la chambre, j'ai bourlingué partout. Depuis l'âge de quinze ans, je n'ai pas arrêté une minute".

Source : Shadow et Arts Magazine.

Trouille

Camille Clovis Trouille, né le 24 octobre 1889 à La Fère, dans l'Aisne, où ses parents étaient horticulteurs. Trouille est un peintre du XXème siècle au parcours des plus personnels. Traumatisé par la guerre de 14-18 ce diplômé des Beaux-Arts d’Amiens un "révolté, un anarchiste" vit son art comme "un exutoire personnel", il n’aura de cesse de dénoncer dans sa peinture « le système de collusion entre l’Armée, l’Eglise et l’Etat ». Il se positionne en tant que contestataire social, anticlérical et antimilitariste.

Et, en toute rigueur, pour ne pas lui-même être amené à transiger avec le système – en l’occurrence le marché de l’art – pour pouvoir vivre de sa peinture, Clovis Trouille a exercé toute sa vie un métier qui lui a permis de conserver son indépendance. Un métier peu banal : peintre de mannequins de vitrines. Cela consistait "à peindre des carnations, rehausser des maquillages, dessiner des arcades sourcilières, des grains de beauté, des pointes de sein … ".

Découvert donc en 1930 par Dali et Aragon au Salon des peintres et écrivains révolutionnaires, et très apprécié par André Breton qui voit en lui "le grand maître du tout est permis" et lui proposera de faire une exposition de ses œuvres dans sa galerie. Clovis Trouille refuse, par crainte d’être irrémédiablement sous une étiquette et ce n’est qu’en 1962 qu’il fera sa première exposition personnelle.

Cette première "exposition" sera suivie l’année suivante d’une autre "solennelle", cette fois, à la galerie Raymond Cordier à Paris (elle sera interdite aux moins de 18 ans et aux plus de 70 ans) et, de 1963 à 1970, l’artiste expose régulièrement au salon de Mai. Il aura aussi participé à plusieurs expositions sur le surréalisme, à Paris, en 1960 et 1964, et à Tokyo, en 1975, 50 ans d’un certain surréalisme.

Ses toiles, aux couleurs vives et contrastées, exaltent l’érotisme et la liberté des mœurs. L’anticléricalisme, l’érotisme, l’attirance pour le monde du music-hall et du cirque, la fascination pour les mises en scène macabres teintées de voyeurisme et de sadomasochisme sont autant de thèmes chers au peintre surréaliste.

L’humour est aussi souvent présent dans son œuvre, comme lorsqu’il met en scène ses propres funérailles (Mes funérailles), avec des titres-calembours, comme Oh Calcutta ! Calcutta ! (dont s’inspireront en 1969 les auteurs d’une comédie musicale à Broadway). Ses tableaux se nourrissent aussi de références à la littérature  (Le Bateau ivre ) ou à la peinture classique, par exemple Le rêve d’Alice qui renvoie à l’embarquement pour Cythère de Watteau.

Électron libre du monde de l’art, revendiquant son mépris des marchands et des chapelles, Clovis Trouille n’en fut pas moins un observateur passionné de la création artistique de son époque. Toujours incisif dans ses critiques, il a su tisser de profondes amitiés avec des artistes qui comme lui faisaient du refus de la norme une revendication.

Clovis Trouille décéde le 24 septembre 1975 à l'âge de 86 ans à Neuilly-sur-Marne. Beaucoup d’artistes, comme Hervé di Rosa, Bruno Baloup, Anne Van der Linden ou encore Francis Marshall revendiquent leur filiation artistique à Clovis Trouille.

“Je suis pour l’art noir,  pour le caractère Maudit. Je rejette la morale de la société bourgeoise, l’imposture de la religion, la morale de ses curés, son patriocularisme.” Clovis Trouille.

Bourgeois

Louise Bourgeois est née le 25 décembre 1911 à Paris. Elle est la deuxième d’une famille de trois enfants. Ses parents dirigeaient un atelier de restauration de tapisserie ancienne à Choisy-le-Roi. C’est sa mère qui tient la maison, alors que son père est souvent absent, à la recherche d’antiquités, et courant accessoirement le jupon. Il engage une gouvernante anglaise qui devient sa maîtresse. La présence de cette maîtresse au cœur de la maison familiale perturbe et traumatise la jeune Louise. C’est l’irruption de la « cruauté », du trauma chez l’enfant. Une cruauté qui ne s’oublie pas, selon ses mots, et qu’il faudra exorciser pour survivre.

Elle l'exorcisera grâce à l'art. A 11 ans déjà, Louise Bourgeois dessine, souvent des jambes et des pieds. Sa soeur boitait, ce qui l'a marquée. Après son bac, elle fait d'abord des études de mathémattiques à la Sorbonne (1932-1935). A partir de 1936, elle suit des cours de dessin et fréquente l'Ecole du Louvre et les Beaux-Arts de Paris. Elle se forme auprès de Paul Colin, André Lhote, Roger Bissière, Gromaire et Fernand Léger. En 1938, elle se marie avec l'historien d'art Robert Godwater et le suit à New York, elle se consacre à la sculpture en 1949 pour mieux exprimer "le drame d'être un au milieu du monde". En 1951, elle prend la nationalité américaine. En 1993, elle représente les Etats-Unis à la Biennale de Venise.

En 1950, Louise Bourgeois est l'un des premiers artistes à construire des installations. Elle assemble des totems de bois peint, puis des paysages-tanières de latex et de plâtre. Ses objets sont des propositions autobiographiques : "Je souffre, donc je veux parler", "Pour moi, la sculpture est le corps, mon corps est ma sculpture". Elle se donne le droit de "tout couper et de tout rapapilloter". Des êtres hybrides faits de bites, de boules et de mamelons se succèdent en divers arrangements, tantôt abstraits, tantôt clairement démonstratifs. Elle exécute des effigies solitaires (Fillette, 1968; Femme inoffensive, 1971) ou regroupées en famille (La jointure, 1985). Depuis le début des années quatre-vingt-dix, elle exprime la complexité et la permanence du désir au moyen de sculptures exécutées dans des formats de plus en plus importants.

La reconnaissance sera venue sur le tard, elle avait plus de 70 ans en 1982 lorsque le Moma lui offre sa première rétrospective. Il s'agit alors d'une grande première: la consécration d'une artiste féminine. Sa première rétrospective européenne a lieu en Allemagne en 1989. En 1999, elle reçoit un Lion d'or, à la Biennale d'art contemporain de Venise, pour l'ensemble de son œuvre. Elle était aussi la première artiste contemporaine à avoir été exposée de son vivant au musée de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, en 2002. Jusqu'en 2005, cette artiste a continué sa thérapie par l'art. "L'art est une garantie de santé mentale", affirmait-elle encore. L'art lui a en tout cas permis de traverser le siècle sans faillir. L'artiste s’est éteinte lundi 31 mai à New York, à l’âge de 98 ans. Elle laisse une œuvre fascinante et poétique qui explore les tourments de l’être dans le huis clos familial.

"Je gueule. Les surréalistes étaient à l'opposé : ils n'admettaient pas que la peine exixtât. Duchamp, la tête sur le billot, n'aurait pas admis qu'il était impuissant." Citation de Louise Bourgeois.

Source : Larousse.

Chaissac

Gaston Chaissac est né le 13 août 1910 à Avallon (dans l’Yonne) en France d'une famille modeste,son père était cordonnier et sa mère fille de marchands ambulants. Après une enfance bousculée par le divorce de ses parents, puis l’internement de l’un de ses frères, il commence à travailler comme apprenti dès l'âge de treize ans. après avoir tenté divers petits boulots, Chaissac qui se sent très attiré par l’ésotérisme trouve dans la création une raison d’être.

Gaston Chaissac ne suit aucune formation artistique. En 1937, il rencontre le peintre Otto Freundlich qui le met "sur le chemin de la peinture" et organise en 1938 sa première exposition personnelle à Paris. Pendant plus de vingt ans, il vit en Vendée, où sa femme est institutrice, et il connaît de grandes difficultés matérielles. A partir de 1961, il est reconnu par le milieu de l'art parisien et expose régulièrement.

Pendant une première période, Gaston Chaissac réalise des dessins à l'encre de chine : il cerne et cloisonne de traits noirs des figures de bêtes et de personnages. Il peint des "formes imbriquées" et tente de donner à ses "peintures naïves, dessins d'enfant, toujours plus de simplicité". A partir de 1946, il utilise des objets de tous les jours et des "empreintes de pelures, d'épluchures et de cassures" dans des séries plus abstraites. Ami de Jean Dubuffet, il participe à une exposition d'Art brut en 1949, mais reste avant tout un artiste indépendant.

Dans les années cinquante, il peint sur tous supports : toile, carton, pierres, tôle. Il exécute des Totems en planches de bois, des sculptures à partir de souches, compose des collages à l'aide de papier peint. En 1951, son oeuvre d'écrivain et de chroniqueur est publiée chez Gallimard (il entretient une longue correspondance avec, entre autres, Jean Paulhan et Jean Dubuffet). En 1959, il revient à la peinture et l'on voit réapparaître "des paysages avec arbres, personnages, maisons et bestioles".

Gaston Chaissac a réalisé une œuvre plastique et littéraire considérable, tant par son abondance que par son étonnante diversité. L’originalité de son art, la liberté qu’il revendique sans cesse, la vie solitaire qu’il s’imposa, expliquent sans doute l’absence de reconnaissance publique dont il souffrit jusqu’aux dernières années de sa vie. Il est mort le 7 novembre 1964 à La Roche-sur-Yon en Vendée à l’âge de cinquante-quatre ans. Des artistes reconnus comme Georg Baselitz ou Robert Combas revendiquent son influence directe.

"Sans gestes théâtraux, ni mise en scène phénoménale, il n'y a qu'à parcourir certaines pistes qu'on reconnait bien vite quoique à peine visibles et on revient avec des richesses pour son pays, pour la terre entière. Ma peinture rustique moderne est encore assez pauvre mais dans une vingtaine d'années j'espère qu'elle sera riche, presque autant que la terre." Citation de Gaston Chaissac (1946).

Source : Larousse.

Christo et Jeanne-Claude

Né le 13 juin en 1935 à Gabrovo en Bulgarie, Christo Vladimirov Javacheff fait ses études aux Beaux-Arts de Sofia de 1952 à 1956. En 1958, il arrive à Paris où il rencontre Jeanne-Claude de Guillebon, egalement née le 13 juin 1935 à Casablanca au Maroc et décédée le 18 novembre 2009 à New York, des suites d'une rupture d'anévrisme). Ils se marient et font oeuvre commune. Leur première exposition personnelle a lieu en 1961.

En 1961, Christo et Jeanne-Claude créent des empaquetages sur le port de Cologne. En 1962, ils réalisent à Paris, rue Visconti, un assemblage géant avec 204 barils d'huile et d'essence qu'ils empilent en geste de protestation contre le mur de Berlin (Rideau de fer). En 1964, ils s'installent à New York et prennent la nationalité américaine. Ils proposent des projets d'empaquetage poétiques et gigantesques, une "prise de possession de l'espace". Ils souhaitent véhiculer "l'éphémère comme dimension esthétique".

Ils s'approprient, drapent, découpent et colorient monuments ou paysages (ruraux, urbains ou maritimes). Ils leurs donnent "une dimension sculpturale nouvelle" : Running Fence, Etats-Unis (1972-1976); Surrounded Islands, Biscayne Bay, Etats-Unis (1980-1983); Pont-Neuf, Paris (1975-1985). Après des années d'acharnement, ils obtiennent enfin en 1994 l'autorisation d'empaqueter le Reichstag de Berlin (réalisation en 1995) : "Tous nos projets sont des projets de liberté."

Ensemble, ils gèrent leurs travaux de A à Z comme de véritables chefs d'entreprise, leurs installations ont largement contribué à faire sortir l’art des musées. Par nature, elles sont éphémères : ainsi, les seules traces qui demeurent sont les livres, les photos, les dessins, les collages ou les maquettes, conservées aujourd’hui dans les musées du monde entier et les collections privées (le Land Art).

"Nos projets sont des oeuvres d'art "in situ", ce ne sont pas des objets transportables. D'habitude une sculpture normale, qu'elle soit classique ou moderne, a son propre espace physique. D'une certaine façon cet espace appartient à la sculpture car il a été préparé pour elle. Nos projets touchent une sensibilité plus vaste, en fait ils s'approprient ou empruntent des espaces qui habituellement n'appartiennent pas à la sculpture." Citation de Christo et Jeanne-Claude.

Dubuffet

Jean Philippe Arthur Dubuffet dit, Jean Dubuffet est né le 31 juillet 1901 au Havre, il étudie le dessin à l'Académie Julian en 1918, mais abandonne l'art pour travailler dans l'entreprise familiale de négoce de vins. Après un aller et retour entre peinture (1933-1937) et commerce(1937-1942), il décide de se consacrer exclusivement à son oeuvre picturale en 1942.

Sa première exposition personnelle a lieu en 1944. La lecture de la Création chez les malades mentaux de Hans Prinzhorn l'amène à théoriser et pratiquer un Art brut, "préféré aux arts culturels", où la peinture devient thérapie sauvage et involontaire et "dit mieux que les mots". A partir de 1942, Jean Dubuffet pratique une peinture figurative qu'il dit être "toujours à la limite du barbouillage le plus immonde et misérable et du petit miracle". Il expérimente et remet en permanence en questions formes, matériaux, et techniques. Il travaille  par séries.

Dès 1945, Jean Dubuffet se met en quête d’oeuvres correspondant vraiment à l’idée qu’il se fait d’une création non culturelle, oeuvres de marginaux, d’originaux, de délirants et de spirites, qui allaient constituer la collection de l’Art Brut. En 1946, dans "Prospectus aux amateurs de tout genre", Jean Dubuffet émet l’hypothèse d’un art praticable spontanément par n’importe qui, un art qui ne nécessiterait ni don ni instruction, un art qui procéderait de la jubilation et non de l’initiaton.

De 1944 à 1951, il fait scandale en exposant à Paris des toiles où figurent des personnages primitifs aux organes sexuels apparents (série des Corps de dames, 1950-1951). De 1951 à 1962, il fixe et cloisonne des empreintes, use de matériaux divers pour décrire les "paysages du mental" : séries des Pâtes battues (1952-1953), Tableaux d'assemblage (1955-1956), Sols (1957-1959), Matériologies (1959-1960). Il imagine ensuite le cycle de l'Hourloupe, son inventaire d'un monde "parallèle au nôtre" (1962-1974). Il est constitué de peintures ou de gigantesques sculptures-folies en époxy pour lesquelles il cerne de noir des formes bleu, blanc, rouge. Suivront les Théâtres de mémoire (1975-1979), les Sites (1980-1982), les Mires (1983-1984), et les Non-lieux (1984).

Dans les années 1960, Dubuffet porte son intérêt vers la sculpture, et commence une importante série de sculptures en polystyrène expansé peintes au vinyle. Il réalise de nombreuses commandes, notamment un monument pour la Chase Manhattan Bank de New York, le Groupe de quatre arbres, inauguré en 1972, et la Tour au figures, pour l'île Saint Germain à Issy-les-Moulineaux (1988). En 1963, c'est l’année de la consécration pour Dubuffet, auquel est consacrée une exposition rétrospective au Museum of Modern Art de New York, visible ensuite à Chicago et Los Angeles.

Artiste iconoclaste, pourfendeur des institutions, Jean Dubuffet a produit une oeuvre abondante et variée, marquée par une remise en question constante. Aujourd'hui, considéré comme l'un des artistes les plus importants du XXème siècle et comme la figure emblématique de l’art brut, il est mort le 12 mai 1985 à Paris et est enterré à Tubersent dans le Pas-de-Calais.

"Reste à savoir si une oeuvre d'art requiert d'être bien élucidée ou si elle ne requiert pas plutôt de ne pouvoir l'être, d'être en telle forme qu'elle est puissamment défendue contre toute entreprise d'élucidation, qu'aucune étude, si minutieusement qu'on la conduise, ne puisse entamer son pouvoir d'intriguer et dépayser, de manière qu'elle demeure (et pour son auteur lui-même aussi) une question et non une réponse." Jean Dubuffet.

Source : Larousse.

Gris

Juan Gris (23 mars 1887/11 mai 1927) est l’un des fondateurs du cubisme, aux côtés de Braque et de Picasso. Ses tableaux se trouvent aujourd’hui dans les plus illustres musées, bien qu’il ait vécu misérablement la plus grande partie de sa vie. Jamais il ne connut la gloire et la fortune de ses
compagnons du légendaire Bateau-Lavoir. Rappelons que Gris quitte l’Espagne en 1906, il a 19 ans pour s’installer à Paris. Il commence une carrière de dessinateur de presse avant celle de peintre. Son œuvre picturale s’étend sur une durée de seulement dix-sept années ce qui est très court, mais en dit long sur son importance et son influence.

En 1906, Juan Gris s'installe à Paris, c' est l'événement déterminant de sa courte existence. Il évolue dans les mêmes cercles que Pablo Picasso et Georges Braque. Comme eux, il explore les principes du cubisme, boulversant les genres traditionnels du portrait et de la nature morte. Au début de ses tentatives cubistes, le sujet du tableau reste fracturé en éléments individuels, sans perspective traditionnelle, obligeant le spectateur à les regrouper comme s'il s'agissait des pièces d'un puzzle. A l'époque où Gris s'implique dans ce mouvement, le cubisme se scinde en différentes directions. Certains artistes intègrent de véritables objets dans la toile ou en suggèrent la présence en combinant des formes brisées, sans aucun lien apparent. Gris essaie de synthétiser ces éléments (cubisme synthétique) en utilisant d'autres fragments, cette fois de couleur.

Dans l'oeuvre de Gris, les ombres donnent forme à des objets, évoquant un espace ou un second plan, tandis que les objets eux-mêmes peuvent être distordus et perdre leur forme naturelle. Ses nombreuses expérimentations le ramènent aux thèmes de son célèbre compatriote, Diego Velasquez : des natures mortes près d'une fenêtre ouvrant sur un monde, le tout se situant à l'intérieur de la peinture, mais menant au-delà. Il insère un objet réel, une page de journal, dans un angle qui parait artificiel mais qui établit un rapport direct avec la réalité. La Jalousie (1914) illustre cette démarche. Le talent de Gris réside dans sa façon de traiter son sujet selon des angles multiples; il joue avec l'espace et utilise pourtant la perspective. Il combine des corps solides avec des plans d'ombres et superpose ossature, personnalité, chair et vêtements, comme dans Portrait de Josette Gris (1916), annonçant également des développements artistiques ultérieurs.

Source : 501 artistes.

Ernst

Max Ernst est né le 2 avril 1891 à Brühl en Allemagne. Il est le fils du peintre Philipp Ernst et de Luise Kop. De 1909 à 1913, il fait des études de philosophie, de psychiatrie et d'histoire de l'art à l'université de Bonn tout en commençant à pratiquer le dessin. De 1914 à 1917, il est mobilisé dans l'armée allemande. En 1919, il s'engage dans le mouvement Dada puis en 1921 dans le Surréalisme.

Sa première exposition personnelle a lieu en 1921. En 1922, il s'installe à Paris. En 1933, il est "mis sur la liste des proscrits du régime nazi" mais, considéré comme ressortissant puis comme espion du Reich allemand, il est interné dans les camps de détention en 1939 et 1940. En 1941, il s'exile aux Etats-Unis. En 1950, il est de retour à Paris et prend la nationalité française en 1958. En 1954, il reçoit le grand prix de la Biennale de Venise. En 1975, une rétrospective a lieu au Musée Solomon R. Guggenheim à New York et les Galeries Nationales du Grand Palais de Paris publient un catalogue complet de ses œuvres.

De 1919 à 1921, Max Ernst effectue des collages d'objets, des dessins et des photomontages. En 1920, il rencontre Paul Eluard dont il illustre les poèmes à partir de 1921, il utilise l'automatisme et revendique un univers surréaliste où les peintres "se meuvent librement, hardiment et tout naturellement dans la région frontière du monde intérieur et du monde extèrieur qui [...] possède une complète réalité ("surréaliste") physique et psychique; qu'ils enregistrent ce qu'ils voient et qu'ils interviennent énergiquement là où leurs instincts révolutionnaires les poussent à le faire".

Dans les années vingt, apparaissent les thèmes d'"hallucinations" qui resteront récurrents dans son oeuvre. En utilisant des effets de coulures, jouant de métamorphoses, il réalise des paysages oniriques : des "concrétions pleines de vestiges de plantes et d'animaux". Il peint également des formes déchiquetées, des chimères, des femmes fantomatiques... En 1925, il met au point la technique du frottage, un système de décalque, et réalise une Histoire naturelle. Expérimentateur, il utilise successivement d'autres procédés et réalise papiers collés, romans-collages et décalcomanies.

A la fin des années trente, il exécute ses premières sculptures, figuratives et emblématiques. Il peint des séries de jungles, de Jardins gobe-avions, de villes. Il écrit : "Tous les amis se métamorphosent en fleurs. Toutes les fleurs se métamorphosent en oiseaux, tous les oiseaux en montagnes, toutes les montagnes en étoiles. Chaque étoile devient une maison, chaque maison une ville [...]".

Max Ernst est mort le 1er avril 1976 à Paris à l'âge de 84 ans. Il est enterré à Paris au cimetière du Père-Lachaise. Un musée Max Ernst comprenant 300 œuvres a été ouvert à Brühl, sa ville natale, en 2005. Max Ernst fut un grand artiste de son époque, parcourant les styles et offrant toujours des oeuvres incontournables. Même s'il ne fut jamais le chef de file d'un des mouvements auquel il a participé, il participa tout de même fortement à leur création.

Source : Larousse.

Duchamp

Marcel Duchamp (28 Juillet 1887 - 2 Octobre 1968) fut un peintre et un sculpteur français naturalisé Américain en 1955. On se rappelera toujours de lui comme l'inventeur d'un mouvement artistique particulier (plutôt devrai-je parler d'"Attitude": le Ready-Made (que l'on pourrait traduire, si on l'osait, par Le Déjà-Fait ou le Tout-Prêt). Il fut un artiste qui révolutionna l’art du XXe siècle. Son œuvre évoque et traverse les courants futuriste, cubiste, dada, surréaliste et son rapport au monde l’exclut de tout mouvement.

Duchamp se fait connaitre en frappant déjà très fort en 1913, lors de l’exposition Armory show à New York, où il présente "Nu descendant un escalier". Son oeuvre fait scandale ! Dans cette œuvre, on dénote des tendances cubistes au futurisme de la « photo-dynamique ». Mais très vite, il s'écarte de la peinture. En effet, en 1913, il expose une sculpture appelée "Roue de bicyclette". Deux objets quotidiens sont assemblés et collés l’un sur l’autre par l’artiste : une roue de bicyclette et un tabouret. Ici rien ne sort de la main de l’artiste qui réalise un collage tridimensionnel.

Mais le fameux Ready-Made n'apparait qu'en 1914, avec le porte-bouteilles qu'il a acheté au Bazar de l’Hôtel-de-ville. Ready-Made : Objet usuel promu à la dignité d’œuvre d’art par le simple choix de l’artiste. (définition du Dictionnaire abrégé du Surréalisme, André Breton, 1938). La main de l’artiste n’intervient plus dans l’œuvre, tout savoir-faire ainsi que tout plaisir esthétique lié à la perception de l’œuvre s‘annulent. La trace du créateur a disparu et se réduit au seul choix et à la nomination de l’objet. Le titre qui, d’abord, nomme le plus platement l’objet, Porte-bouteilles, prendra de plus en plus d’importance. L’objet sera rebaptisé plus tard "Séchoir à bouteilles" ou "Hérisson".

En 1915 Duchamp s’installe aux Etats-Unis. Poursuivant ses ready-mades il y ajoute des inscriptions comme, sur une pelle à neige, "En prévision du bras cassé". La logique verbale seule transforme, par l’humour et les jeux de mots, l’objet usuel en autre chose que lui : une précipitation du futur probable. Duchamp insistera de plus en plus sur cette dimension verbale impliquant par des sous-entendus l’esprit du spectateur dans la perception de l’œuvre. A la délectation de l’œil succède celle de l’esprit.
En 1915, c'est "Fontaine", qu'il signe «Richard Mutt».

Par la suite il commenta ce qui résume en partie sa démarche : "Que Richard Mutt ait fabriqué cette fontaine avec ses propres mains, cela n’a aucune importance, il l’a choisie. Il a pris un article ordinaire de la vie, il l’a placé de manière à ce que sa signification d’usage disparaisse sous le nouveau titre et le nouveau point de vue, il a créé une nouvelle pensée pour cet objet". Pour lui, le seul critère esthétique ne suffit pas à définir ce qui est de l’art et ce qui ne l’est pas, et l’artiste est celui qui met en question, les poussant toujours de plus en plus loin, les limites de l’art. La disparition de la fonction d’usage de l’objet par son installation dans un milieu muséal, la nouvelle signification que lui confère son titre suffisent désormais à qualifier d’œuvre d’art ce qui a priori ne le serait pas. Ce geste radical de Duchamp est à l’origine de la remise en cause du statut de l’art au 20e siècle.

C’est à Paris, en 1919, que Duchamp réalise l’une de ses œuvres les plus provocantes en ajoutant au crayon, sur une reproduction en couleurs de La Joconde de Léonard de Vinci, une paire de moustaches et une barbe. S’attaquant à une image canonique de la peinture occidentale, Duchamp la tourne en dérision en la transformant en ce qu’il appelle un « Ready-Made assisté », car, outre la barbe et les moustaches, il y appose l’inscription en apparence anodine, L.H.O.O.Q. En effet, une lecture rapide des lettres donne la phrase à connotation sexuelle : "Elle a chaud au cul". Profanation subtile et grossière à la fois de la femme célébrée par le chef-d’œuvre de la Renaissance et allusion aussi à l’ambiguïté sexuelle de l’artiste, l’homosexualité de Léonard sur laquelle on a tellement écrit et qui se lit ici dans la transformation de la célèbre Mona Lisa en hermaphrodite.

Ce qui est remarquable dans l'entreprise de Duchamp, c'est cette capacité qu'il avait à intégrer à son art, non seulement l'objet qu'il mettait en scène, mais également et surtout l'environnement de cet objet et notamment la réaction du spectateur face à un élément dont l'esthétique est plus que banal. Tout fait partie intégrante de son entreprise artistique. En fait, Tout est Art.

"Somme toute, l’artiste n’est pas seul à accomplir l’acte de création car le spectateur établit le contact de l’oeuvre avec le monde extérieur en déchiffrant et en interprétant ses qualifications profondes et par là, ajoute sa propre contribution au processus créatif." Marcel Duchamp.

Source : Shadow.

Hartung

Hans Hartung est né le 21 septembre 1904 à Leipzig en Allemagne. Il fait ses études à l'Akademie der schönen Künste de Leipzig ( 1924-1926) et aux Beaux-Arts de Munich (1928). En 1928, il rencontre Anna-Eva Bergman à Paris, jeune artiste d’origine norvégienne venue comme lui étudier en France ; il se marient en 1929.

Sa première exposition personnelle a lieu en 1931 à Dresde. Il quitte l'Allemagne pré-hitlérienne en 1932 et voyage en Europe. Il s'installe à Paris en 1935 où il se lie et expose avec Kandinsky, Mondrian, Miro et Calder. En 1944, il s'engage dans la légion étrangère. Blessé, il doit être amputé de la jambe droite. En 1945, il est naturalisé français. Il reçoit le grand prix de la Biennale de Venise en 1960.

Pendant une première période, Hans Hartung peint des aquarelles et des toiles abstraites (les Taches d'encre). Après la guerre, il traduit ses cauchemars et sa souffrance dans une peinture abstraite et lyrique. Il recouvre la toile de hachures et de tourbillons, de "grandes masses brunâtres ou noires" tracées à l'encre de Chine, à l'huile ou au pastel. Il pense que seule une peinture informelle, un "tachisme" peuvent dire le désespoir de l'après-guerre.

A partir de 1960, il travaille à de grands formats à l'acrylique, tour à tour frappés de touches rapides, grattés ou griffés. Il utilise des branches, des balais, des peignes pour stigmatiser sa peinture. Hans et Anna-Eva s'installent à Antibes à partir de 1968, dans une maison qu'il a dessinée et conçue. En 1986, il commence une nouvelle série très colorée, et projette coulures et égouttures sur du papier d'emballage.

Sa femme, Anna-Eva Bergman disparaît en 1987. Hans Hartung est mort le 7 décembre 1989 à Antibes en France. Selon ses voeux, ses cendres sont dispersées dans la Méditerranée. Il est aujourd'hui considéré comme le chef de file de "l’Abstraction Lyrique" et comme l'un des plus grands représentants de l'art abstrait. Selon le voeu exprimé dès les années soixante par Hans Hartung et Anna-Eva Bergman, une Fondation portant leurs noms a été créé en 1994.

"Par ces grandes formes qui s'évaporent, s'égarent ou s'étalent en larges plages, je tâchais de fixer le dynamisme et la constance des forces qui créent la matière, la lumière, l'esprit. Sujet qui m'a toujours passionné."

Source : Larousse.

Jorn

Asger Jorn est né le 3 mars 1914 à Vejrum au Danemark. De 1936 à 1939 Asger Jorgensen travaille à Paris dans l'Académie contemporaine de Fernand Léger puis assiste Le Corbusier pour la décoration du pavillon des Temps nouveaux de l'Exposition universelle.

Sa première exposition personnelle a lieu en 1938 à Copenhague. A partir de 1945, sous le nom d'Asger Jorn, il participe à tous les mouvements d'avant-garde. En 1945, il rejoint les surréalistes révolutionnaires. En 1948, il est membre fondateur et théoricien de Cobra (Appel, Constant, Corneille, Dotremont, etc.). De 1951 à 1953, il écrit poésies et essais sur l'art. Fin 1953, il crée le Mouvement international pour un Bauhaus imaginiste, puis participe en 1957 à l'Internationale situationniste.

Pendant les années cinquante, Asger Jorn peint des toiles très colorées où il reconstruit "le monde animal et végétal du symbolisme"; "Nous décrire nous-mêmes comme des animaux, c'est notre seule issue", dit-il. En 1959, il commence à repeindre les tableaux des peintres pompiers trouvés aux puces (séries des Modifications et des Défigurations).

Pour lui, peindre est d'abord "une bataille qui se termine par un tableau plus ou moins acceptable". Asger Jorn, qui se battait pour une liberté totale de l'art s'est rebellé dans ses écrits, ses peintures, ses collages, ses sculptures ou ses céramiques contre le sacré. En 1968, il publie un pamphlet-parodie du structuralisme : la Langue verte et la cuite.

Hostile à toute forme d'autorité, l'artiste reçoit en 1964 le prix Guggenheim, assorti d'une belle somme. Ce à quoi il répond par un télégramme outré : « allez en enfer — refuse le prix — ne l'ai jamais demandé — indécent de mêler un artiste à votre publicité contre sa volonté — je veux la confirmation publique que je n'ai pas participé à votre jeu ridicule »...

Asger Jorn est mort le 1er mai 1973 à Aarhus au Danemark à l'âge de cinquante-neuf ans.. C'est l'artiste danois le plus important du 20e siècle.

"Il n'existe pas des styles différents et ils n'ont jamais existé. Le style est l'expression d'un contenu bourgeois et on appelle goût ses diverses nuances. La distinction absolue, entre peinture et sculpture n'existe pas. On ne peut isoler aucune expression artistique en se fondant sur sa forme car il s'agit uniquement de moyens différents mis en oeuvre dans un but artistique commun." Asger Jorn.

Source : Larousse.

Mathieu

Georges Mathieu est né le 27 janvier 1921 d'une famille de banquiers à Boulogne-sur-Mer en France. Il fait des études de droit et d'anglais. Il commence à peindre en 1942. Deux ans plus tard, il abandonne la figuration pour se faire le croisé de l'Abstraction lyrique. S'il entre "en non-figuration", c'est "non par les chemins formels mais par la voie spirituelle". Sa première exposition personnelle a lieu en 1950 à Paris.

Dans les années cinquante, Georges Mathieu s'affronte à de très grands formats, peint ses fonds sur le sol, projette ses calligraphies dirctement du tube sur la toile suivant un rituel chorégraphique spectaculaire. André Malraux s'exclame "Enfin, un calligraphe occidental !". Il expose aux États-Unis et au Japon, mais sa consécration officielle n'aura lieu qu'en 1963, année de la grande rétrospective organisée par le musée d'Art moderne de la Ville de Paris et de la publication de son livre Au-delà du tachisme.

Il réalise de véritables performances dans le monde entier (il peint vingt et une toiles en trois jours à Tokyo en 1957). Ses motifs sont épiques (série des Batailles), historiques (les  Capétiens partout) ou politiques (le Massacre des 269). En 1965, après une période de méditation, il peint ses toiles avec "plus de rigueur, plus d'austérité". Il fait ensuite passer "ces formes dans la vie" et dessine des plans d'usines, des modèles de haute couture, de mobilier..., pour "que ce langage devienne un style".

Georges Mathieu vit et travaille à Paris, c'est l’un des plus grands peintres de la seconde moitié du XX^e siècle. Il est considéré comme l’un des pères de l’abstraction lyrique, qui inspira les peintres expressionnistes abstraits américains, notamment Jackson Pollock.  De nombreuses rétrospectives lui ont été consacrées, notamment en 1978 au Grand Palais et plus récemment au Jeu de Paume, en 2003. Il est membre de l’Académie des Beaux-Arts depuis 1975.

"Prodigieuse aventure que de décider de s'opposer au monde, au monde des formes, au monde des habitudes et des comportements. La réussite tient à la patience, à la volonté, à la chance et bien sûr au don; non pas seulement celui du "savoir peindre", mais celui d'une certaine... "voyance". Georges Mathieu.

Source : Larousse.

Monory

Jacques Monory est né le 25 juin 1934 à Paris. Il suit une formation de graphiste, de peintre, de fresquiste et de décorateur dans une école d'arts appliqués, puis travaille durant dix ans chez l'éditeur d'art Delpire. La première exposition personnelle de Jacques Monory a lieu à Paris en 1955 à la galerie Kléber. En 1962, il détruit toutes ses toiles antérieures, puis participe aux expositions du mouvement de la Figuration narrative.

Jacques Monory a été l’un des principaux représentants du courant de la “Figuration narrative”, qui, dans les années 60, s’est opposé à la fois à la peinture abstraite, géométrique, cinétique ou informelle et à l’art des nouveaux réalistes. Dans son travail (pour partie autobiographique), Jacques Monory se préoccupe de la violence dans la réalité quotidienne. A partir de photographies, qu'il prend lui même ou sélectionne dans des revues ou des journaux, il peint de grandes toiles découpées en plusieurs parties comme des séquences cinématographiques. Ses figures baignent sur un fond monochrome, le plus souvent bleu électrique.

Ses tableaux suggèrent des atmosphères lourdes et menaçantes. Les thèmes sont développés par des séries de toiles peintes en bleu, en rose ou en jaune et les images qu’il utilise sont directement issues de la civilisation moderne. Les emprunts photographiques et cinématographiques (le procédé poétique de Monory rappellant la technique de l’image fixe utilisée comme au cinéma) le recours à la monochromie, la froideur de la touche et de la composition, caractèrisent un style singulier et engagé dans la représentation. La violence et la mort exercent sur Monory une sorte de fascination. La technique de la représentation photographique, accentuée encore par l’imitation d’accidents de cadrage, ou de surexposition, confère la force de la réalité à ses imaginations obsessionnelles.

Il peint des séries de Meurtres (1968). Il exécute les Premiers Numéros du Catalogue mondial des images incurables (1974), suite de toiles où il parle de crime, de police, de prisons, de mort, d'actualité politique, de technologie. Depuis les années soixante-dix, il pose son regard critique sur la société, les accumulations de catastrophes et de faits divers. Sa vision s'exprime par les peintures (Opéras glacés, Le Peintre, Ciels, Nébuleuses, Galaxies, Noirs), les films (Ex, 1968; Brighton Belle, 1974) ou les "romans-photo", les romans policiers (Deux, 1973; Diamondback, 1982). Jacques Monory est aujourd'hui considéré comme un représentant majeur de la figuration narrative. Il vit et travaille à Cachan près de Paris.

"Tous mes travaux sont des bouts de pellicule de films noirs plus ou moins trempés dans un bleu monochrome et, pendant un temps, dans un Technicolor fondamental." Jacques Monory.

Source : Larousse.